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ぬくぬく先生 

Author:ぬくぬく先生 
開設当時は、1980年代吹奏楽コンクールの花輪・秋田南・就実・仁賀保・屋代等の素晴らしい演奏を後世に少しでも伝える事が出来ればいいなと思ってこのブログを始めたのですけど、いつのまにか「東方Project」がメインになってしまいました・・・
最近は「艦これ」も大好きです!!
吹奏楽も東方も自分が感じた事を少しでも後世の方に受け継がれるべきものが残せればいいかな・・と思っています。
ちなみに、「大好きプリキュア四天王」は、ドリーム・メロディ・ハッピー・ラブリーです。
ドリームとメロディは自分の中では既に殿堂入り状態ですけど、
現在はラブリー大好き!!のラブリー一辺倒です!!
リアル社会では、建築関係のクレーム&アフター責任者を専従し、毎日毎日クレーム対応に当たる日々です。
裏の顔は東方と吹奏楽とクラシック音楽一辺倒です・・・
特に特に大好きな作品は・・・プリキュア5とスイートとハピネスチャージです!!
ちなみに、奥様は・・・ミルキィローズとセーラームーン好きの管理人以上のおこちゃまです・・・
東方で大好きなキャラは、とにかく大好きキャラがてんこ盛りで、全員大好き!という感じなのですけど、特に、さとり様・ゆかりん(紫様)・早苗さん・こいしちゃん・アリスはお気に入りです!!
吹奏楽では・・ネリベルの「二つの交響的断章」と「アンティフォナーレ」、スパークの「ドラゴンの年」、リードの「オセロ」と第二組曲「ラティーノ・メキシカーナ」、パーシケッティーの「仮面舞踏会」、C・スミスの「ダンス・フォラトゥーラ」などが死ぬほど好きで、クラシック音楽では、ウォルトンの交響曲第1番と矢代秋雄の交響曲、プロコフィエフの交響曲第5番、アーノルドの交響曲第2番、第4番、ショスタコの交響曲第7番「レニングラード」、マーラーの交響曲第3番「夏の朝の夢」、ハンソンの交響曲第2番「ロマンティック」、ストラヴィンスキーの「火の鳥」、ベルクの「ヴァイオリン協奏曲」、ラフマニノフの「交響的舞曲」などが大好きです!!
クラシック音楽を吹奏楽にアレンジし、そのコンクールヴァージョンの演奏としては・・・
1982年の就実高校の「幻想舞曲集」と
1987年の習志野高校の「ダフニスとクロエ」第二組曲の演奏、そして、
1987年の雄新中の「エルザの大聖堂への厳かな行列」が
まさに私の「原点」です。
最後に・・・
私の吹奏楽との関わりの真の意味での「原点」は・・・
1979年の市立川口高校の神がかり名演としか言いようがない
「二つの交響的断章」に尽きると思います!!


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吹奏楽コンクールの課題曲は年々演奏難易度は高くなっているような気もしますし、その音楽的充実度には
目を見張るものがあると思います。
反面、ちょっと内容的に難しすぎて後世まで演奏され続けられるような課題曲が以前よりは少なくなっているような気もします。
例えば、バーレスク・風紋・波の見える風景・稲穂の波などと言った課題曲なんだけど自由曲としても
十分演奏効果があり内容がある曲が減ってきているのかな・・とも感じたりもします。

吹奏楽コンクールの課題曲を振り返る時、一つの節目というか転換点になった曲があるように思えます。

私自身は「オールド吹奏楽ファン」と言えるのかもしれないですけど(汗・・)、私の世代よりも一回り~二回り上の皆様ですと、
1964年の課題曲/序曲「廣野を行く」あたりを一つの転換点として推されるのかもしれないですね。
この年以前の課題曲は、マーチがほとんどであったのに対して、マーチ以外の曲想の課題曲が
登場した初めての年と言えるのかもしれません。
当時、序曲「廣野を行く」は「難しい」と敬遠気味だったそうですけど、
現在の視点から聴くと、「この曲の一体どこが難しいのかな・・・?」とも感じてしまうのですけど
それは「吹奏楽コンクールの進化」という事にしておきましょうね・・
別の意味の転換点と言うと、先日の記事でも触れさせて頂きました1974年の課題曲B/高度な技術への指標を
挙げたいと思いますし、あの課題曲は「革新的」というか極めて斬新だと改めて感心したりもします。

話が冒頭からそれてしまいましたけど、そうした課題曲の転換点として挙げたい曲の一つが
1979年の課題曲B「プレリュード」だと思ったりもします。
どうして節目なのかというと、課題曲の歴史の中で初めて、
「無調音楽」のような現代音楽の感覚と形式を初めてコンクール課題曲として成立させたのが「プレリュード」だと思います。
プレリュードの譜面を初めて見たのが、1979年の中学2年の時でしたけど、最初に見た時はびっくり仰天でした。
というのも、打楽器のティンパニ以外のパートのパート譜は冒頭部分から1分程度あたりまでの50小節あたりまでは、
全パートが完全休止状態だったからです!(この部分はティンパニの完全ソロです!!)
それ以降も変拍子に次ぐ変拍子でメロディーラインが全然分からないという俗にいう「歌」の無い曲でしたし、
当時は「訳のわからんヘンな曲・・・」というのが当時の吹奏楽部員全員の感想だったと思います。
私が在籍していた中学はこんな課題曲を消化できる技術も感性も全くありませんでしたので
課題曲はC/幼い日の想い出でしたけど、私個人は課題曲A/フェリスタスを吹いてみたかったです! (笑)
とにかく「プレリュード」が吹奏楽コンクールの課題曲の歴史の中で果たした意義は大変大きいように感じたりもします。

それから3年後に「序奏とアレグロ」と、こちらは無調音楽バリバリの課題曲が登場しました。
「プレリュード」は無調音楽らしきものという事で、厳密に言うとメロディーらしきものと言うのか聴き方によっては
「鄙びた和の世界」は伝わっていると思います。
だけど「序奏とアレグロ」の世界は本当に無機質な無調音楽そのものだと思いますし、
そうした意味においては、プレリュードと序奏とアレグロが後世の吹奏楽コンクールに与えた影響度ははかりしれないものがあり
それが最高の音楽に近い形で到達したのが、1988年の三善晃の「吹奏楽のための深層の祭り」なのだと思います。

そして序奏とアレグロの更に2年後に「変容-断章」というこれまでの課題曲の常識を破壊する
課題曲が登場する事になります。
この「変容-断章」は当時あまりの難しさゆえに序奏とアレグロほど演奏される今度は低くて、この課題曲を評価される方は
少ないようにも感じられるのですけど、私としては無調要素と和の融合を「プレリュード」以上に究めた作品として
高く評価させて頂きたいです!

「変容-断章」は、「瞑と舞」の作曲者の池上敏が作曲した作品ですけど、
技術的には課題曲の歴史の中でも最難関の一つだと思います。
(歴代最難関課題曲No.1は1994年の課題曲Ⅲ・饗応夫人であるのはほぼ間違いないようにも思えます)
この「変容-断章」の意義は単に技術的に難しいという事ではなくて、
難しさの中に日本的な「さび」とか「鄙びた感じ」・「枯れた感じ」・
能を想起させるような「幽玄さ」、そして能の世界のリズムみたいな打楽器の響きが曲の随所に感じさせ、
79年のプレリュードや82年の序奏とアレグロみたいな西洋音楽としての現代音楽ではなくて
日本の「和の心」・「和の響き」として課題曲を構築していることにその意義があるように私的には感じたりもします。

使用している打楽器は、トムトム・ティンパニ・マラカス・ドラ・サスペンダーシンバル等全て西洋楽器で、
いわゆる和太鼓系は一つも使用していません。
だけどトムトムのあの響かせ方は、何となく能の「間」の取り方を想起させますし、
前半の木管楽器のトレモロなんかは、日本の怪談の「ヒュードロドロ」みたいな感覚を思い出させてくれますし、
後半にティンパニ奏者が撥からマラカスに持ち替えて、マラカスでティンパニを叩くことによって
ティンパニーの和音に何かカラカラという音をmixさせる辺りは
日本の村祭りの盛り上がりみたいなものを何かイメージさせてくれます。

あまりの難しさゆえにこの課題曲を選ぶチームは極めて少ないのは残念でしたね。

現代音楽の形式に和の雰囲気を持ち込むような課題曲は、この課題曲を契機に例えば、
86年の吹奏楽のための序曲とか88年の深層の祭りとか96年の般若とか色々出てきますので、
そうしたパイオニアとしての要素ももう少し今となっては評価されても良いような感じはします。

1984年の全国大会では、この課題曲は6団体しか選びませんけど、
この内5団体が(ヤマハ浜松・神奈川大・天理・花輪・土気中)金賞を受賞し、出雲高校のみ銅賞でした。
神奈川大は正直良い出来ではありませんし、土気中の演奏を評価される方は当時も今も多いのですけど、私的には
やはり技術的未消化が気になってしまいます。
天理の知性的で切れのある演奏は素晴らしかったですし、花輪の小林先生の感性が和のドロドロ感をうまく表現されて
いたのも素晴らしかったですけど、技術的完成度の高さと和の極みという意味ではヤマハ浜松が最高の名演だと思います。
ちなみに1984年のヤマハ浜松は原田元吉氏の最後の全国大会での指揮となり、その意味でも大変意義がある演奏です。

ここから先は少し余談ですけど、池上敏の吹奏楽オリジナル作品として決して忘れていけない名曲として
「瞑と舞」が挙げられると思います。
そして全国大会・支部大会でも池上敏の「瞑と舞」という作品が細々とではありますけど、
いまだに演奏され続けていることを嬉しく感じます。
確かに少々とっつきにくく、陰気な邦人作品という感じも否定はできないのですけど
この「和の感覚」・「鄙びた感覚」は、日本人でないと絶対に分からないような「わびさび」みたいなものも感じたりもします。

「瞑と舞」を初めて聴いたのは、1981年の全国大会の中学の部の、旭川・神居中学校の
神がかりとしか言いようがない何かに「憑りつかれた様な」奇跡的なウルトラ名演なのですけど、
それから数年後に、チャンスの「呪文と踊り」を聴いた時、この曲の構成、何か瞑と舞に似ているのかも・・?」と感じたものです。
静かな序奏から、打楽器の絡みから徐々に盛り上がっていく構成がそのような印象を持たせたのかもしれませんけど、
実は意外とその印象は当たっていました。
後で色々と池上敏の事を調べていくうちに、「瞑と舞」はチャンスの「呪文と踊り」に色々な面で影響は受けたとの事です。
最初の感覚としては、「瞑と舞が呪文と踊りに何らかの影響を与えたのかな?」と思っていたら
実際は逆でして、作曲年としては「呪文と踊り」の方が早く作曲され
「呪文と踊り」が「瞑と舞」に多少の影響を与えたと言えるのだと思います。

この「瞑と舞」ですけど、サンベンダーシンバルに乗っかる形でピッコロのソロで開始され、
その後すぐにピッコロからバトンタッチされる形でフルートにメロディーラインが移っていくのですけど、
ピッコロ奏者がフルートを掛け持ちする事が多いような気がします。
神居中もそうした素晴らしい見事な持ち替えでした!
その後すぐに、クラリネット・オーボエにメロディーラインが受け継がれていき、一旦静かになった後、
打楽器セクションによるアンサンブルが静かに開始され、徐々に盛り上がっていき
ここから「舞」の部分が開始されていきます。
ちなみにこの曲の打楽器は、
ティンパニ、トライアングル、ボンゴ、タンバリン、サスペンデッドシンバル、合わせシンバル、タムタム、
大太鼓、スネアドラム、テナードラムを使用していますが、
「舞」の開始部分は上記の打楽器アンサンブルから開始されるのですけど
この部分のボンゴ・テナードラムの響きはかなりの効果があるように思えます。
「舞」が開始されて以降は、金管の響きに乗っかる形で大太鼓がズドンと要所で決めていますけど
この「ズドン」というのが実に気持ち良く決まるので、これだけでも爽快な感じになったりもします。
「舞」では部分的に静と動を対比させながら進展していき、
そのクライマックスでは、やはり大太鼓がズドンと締めてくれます。
その過程の中で、「バストロンボーン」が不気味な音を展開したり、ミュートを付けたトランペットが乱入したり、
同じくミュートを付けたトロンボーンの絡みがあったりと聴きどころも満載です。
そしてラストは、序盤の「瞑」と同じようにピッコロのソロで静かに閉じられていきます。

全体的には、やはり「日本的な」香りが濃厚だと思います。

イメージとしては、巫女さんの舞とか、龍の舞とか、民衆の土俗的祭礼とか、神官の祈りとか
そういったワードがこの曲を聴くだけで脳裏をかすめたりもします。

「瞑と舞」の吹奏楽コンクール・全国大会での素晴らしい演奏は三つほど挙げられると思います。

〇1977年/富田中学校

〇1981年/神居中学校

〇1986年/伊丹東中学校

あ、どれも全て中学生の演奏でしたね。

富田中の演奏は、一言で言うと非常に野暮ったい演奏で、洗練さはほぼ皆無です。
だけど民衆のエネルギーというか土俗的祭礼みたいな雰囲気は非常によく出ています。
全体的に「泥と土の香り」がします。
神居中の演奏は、非常に知的でスマートな演奏です。
音色の透明感が実に素晴らしいし、奏者と指揮者が完全に一体化し、
「自分達の音楽」としてこの曲をほぼ完璧に自分達のものにしている印象が強いです。
伊丹東中は、指揮者のアクの強さが漲っていて、正直好き嫌いははっきりと分かれる演奏だと思います。
少しやり過ぎというか演出過剰という感じもしますけどいかにも永澤先生らしい個性の強い演奏です。

最後に余談ですけど、結果的に神居中は、「瞑と舞」の素晴らしい名演を残していますが、
曲のラストのピッコロの弱奏で、普門館の会場内で赤ん坊が思いっきり泣いてしまい名演に水を差しています・・・(泣)
その鳴き声と喚き声はレコードにはっきりと収録されています。
同様に1986年の伊丹東の「瞑と舞」のラストの弱奏で、やはり赤ん坊が泣いてしまっています。
うーーん、赤ん坊には、「瞑と舞」の世界は不気味に恐怖に聴こえるのかな・・・??
この時代の普門館は、赤ちゃん・幼児同伴でも会場に入ることが出来たのですね!
今では信じられない話だと思います。

ついでに書くと、1981年の逗子開成高校の自由曲「海のうた」でも同様の事件が起こり、
前半のゆったりとした部分で、赤ん坊が演奏中に泣いてしまって、
その泣き声が更に演奏を興醒めにしているのは少し気の毒です。
(これも当時のレコードにしっかりと収録されています)
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コメント

赤ちゃんに罪はないのでしょうがないですね。

ただ、自分の場合、自由曲の出だし(予備拍の瞬間)で、観客のくしゃみというハプニングなら経験してます。

もちろん全国大会で(笑)

池上敏先生

「池上敏先生」の「瞑と舞」は1981年全国大会LPで当時聴いていまして、「クラシックアレンジものとかリード・マクベスなどのオリジナル作品とかが多い中で、珍しい選曲だな」と思ったものですが、3年後の1984年課題曲に「変容-断章」が採用され池上先生の作曲とわかったときは「あぁ…確かに同じ人の曲っぽいよな…」とも思いましたね。
ちなみに当時の自分の読み方が悪かったのかそれとも書き方が悪かったのか、バンドジャーナルにこの年の課題曲が発表されたとき、当初「へんよういちだんしょう」と読んでました…。
2009年に4枚組2セットで発売された「全日本吹奏楽コンクール課題曲参考演奏集」の収録曲の説明書きには「この年のコンクールで変容-断章と瞑と舞で挑んだ団体があったらしいが、恐るべき12分間だったに違いない」と書かれてました。自分もそう思いますし、審査員の先生方もお地蔵さん状態だったかもしれませんね(笑)。
この年の花輪高校の変容-断章を生演奏で結果的に聴けず残念でしたが(もちろんシンフォニーポエムもですが)、何かしらの演奏会でこの曲を録音したカセットテープは聴いたことがあり、参考演奏よりもかなり速いテンポで度肝を抜いた記憶があります。
瞑と舞のラストの赤ちゃんの泣き声は「あれはピッコロソロの後に、赤ちゃんの泣き声みたいな音の打楽器の音があるんだよ」とネットに書かれていたりしますが、曲の流れ的にあそこにそんな打楽器の音が入る?と思いますね…。

というか・・(笑)

某大学の卒業生 様


というか・・昭和の頃は「赤ん坊の会場入場」が普通に許可されていた事に驚きを感じますね・・

赤ん坊に罪は無いけど、母親もそうだけど会場の運営担当に問題ありという感じなのかもしれないですね。

「瞑と舞」だけでなく70~80年代のレコードにはこうした子供の鳴き声がしっかり収録されているケースも多々あり、
聴衆としてもコンクール出場者としても「勘弁してくれよ・・」という感じになりそうですし、
その意味では今現在の「小さい子供の入場不可」はやむを得ないのかもしれないですね。

赤ん坊の声

一秋田県民 様


「瞑と舞」も「変容-断章」も当時としては大変技術的に難解な曲なのですけど、この当時の奏者は既に
60~70年代の頃のような「技術的問題」はほぼクリアしていましたので、
花輪・天理といった超名演や1981年の神居中みたいな研ぎ澄まされた神秘的な名演が出てくる時代に
突入していましたね!
花輪の84年の変容-断章とシンフォニーポエムを普門館の生で聴く事が出来たのは、私の貴重な財産でもありますけど、
あの年の花輪はシンフォニーポエムの事ばかり語られがちですけど、課題曲もメカニックさと和の雰囲気を融合させた
すてきな名演だつたと思います。

80年代初頭とはいえ、全国大会の客席に赤ん坊の同伴OKだったとは今だったら「ありえない・・」の一言で終わりそう
ですけど、当時はまだそれが黙認されてしまう「おおらかさ」があったのかもしれないですね。

あれはピッコロソロの後に、赤ちゃんの泣き声みたいな音の打楽器の音があるんだ

→それは100%ないと思いますよ~ だって77年の富田中とか私が生で聴いた関東大会B部門の演奏で
 そんな音は100%入っていませんし、
 あの泣き声はどう聴いても赤ん坊の声そのものですね・・

感銘を受けました。

吹奏楽部で課題曲マニアでした。

課題曲の綿々とした歴史に興味があり、
昔の課題曲集のLPを聞いて、
まさにここに書いていただいた
「プレリュード」「序奏とアレグロ」に衝撃を受けました。
現役時は「変容断章」「吹奏楽のための変容」世代です。

時を前後して、
三善晃先生の「管弦楽のための協奏曲」を聴いて、
現代音楽の虜になりました。

「吹奏楽のための深層の祭り」が
吹奏楽を離れた翌年だったのが心残りです。

いずれにしましても
ここまで「そうそう。その通り!」と頷ける
ブログありがとうございます。
非常に感銘を受けました。

ありがとうございます。

先生 様


最近は吹奏楽カテゴリやクラシック音楽に記事を書いても全く反響もないですし、アクセス自体が限りなく低調ですので、
実はこの両カテゴリは事実上撤退カテゴリに近いのですけど、
こうやってわかる方からのコメントは大変ありがたいですしうれしいものかあります!
コメント頂きありがとうございます。

木下牧子の「序奏とアレグロ」のあのメロディーが全くなくてとんでもない変拍子が連続するあの難曲を聴いたときの
衝撃は今でも大変印象的ですし、
無機質な曲でもああいう切れ味の鋭い曲調は人に何かを伝えることはできるものだと感銘を受けた記憶が
ありますし、特に仁賀保高校の序奏とアレグロを生演奏で聴いたときの感銘は今でも忘れられないですね。

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